lunes, 12 de septiembre de 2016

Dimmu Borgir - For All Tid (1995)

Hoy seguimos revisando otro lanzamiento de los inicios, esta vez de los noruegos Dimmu Borgir, que con el tiempo se convirtieron en otra de las bandas más conocidas dentro del Black Metal, e incluso durante una temporada existió una especie de competición a nivel fans, entre ellos y Cradle of Filth, un poco al estilo de "Y tú de quién eres?" como ocurrió con bandas como Metallica - Megadeth o Iron Maiden - Judas Priest.

"For All Tid" es el primer álbum de Dimmu Borgir, y la calidad del mismo, digamos que no es muy alta. Existen varios motivos para que esto sea así. Lo primero es que nos encontramos una formación en la que no están definidos los roles, y que cambiarían posteriormente. Por ejemplo, Shagrath, el actual vocalista, en esta época era el batería de la banda, mientras que Tjoldav se encargaba de las guitarras, y las voces corrían a cargo de Silenoz. Este tipo de cosas son casi impensables en un país como el nuestro, en el que si sabes tocar un instrumento ya puedes darte por afortunado, pero en los países escandinavos es bastante más frecuente encontrarse con músicos que tocan más de un instrumento.

Bueno, sin desviarnos mucho del tema, la ejecución de las canciones flaquea en algunos momentos, especialmente en las baterías. En cambio, las voces no juegan un mal papel. Sin ser ninguna maravilla, cumplen su función y la verdad es que la llegada de Shagrath a dicho apartado, tampoco mejoró lo realizado por Silenoz en los comienzos de la banda. Los teclados tampoco me gustan demasiado, ya que su interpretación es bastante lineal y termina por cansarme un poco.

Por otro lado, la producción del álbum es bastante floja, y el sonido es muy sucio. Este tipo de producciones para otro tipo de bandas de Black, igual es hasta un plus, pero para una banda con la apuesta de Dimmu Borgir, creo que una producción más limpia le da un punto positivo. De hecho el álbum fue remasterizado posteriormente cuando ficharon con Nuclear Blast, y la portada pasó del blanco y negro al color. Eso sí, ahí me quedo con la portada original, que mola mucho más.

En cuanto al apartado puramente musical, la banda practicaba un Black Metal bastante atmosférico, con mucho medio tiempo, acelerando con algunos cambios. Si unimos a ésto, que las secciones atmosféricas son bastante simples y repetitivas, nos quedamos con la sensación de que el álbum no termina de enganchar como debiera.

Sin duda tiene algunos momentos que molan, y con la indulgencia de ser el primer álbum de una banda, pues no suspende tampoco. Personalmente me quedo con los tres últimos temas del álbum, así que no sé si están colocados en el lugar adecuado. Si acaso, el "Den Gjemte Saanhets Herserker" cuya parte final, cumple con los requisitos adecuados para cerrar el álbum de manera bastante decente, gracias a unas buenas melodías. "Hunnerkogens Sorgsvarte Ferd Over Steppene" es de los mejores cortes. Un tema bastante rápido con una progresión bastante estándar, que destila cierto aire punk, pero que funciona bien.

"Raabjorn Speiler Draugheimens Skodde" es el único tema rescatado del primer E.P "Inn I Evighetens Mørke", y tiene una estructura bien trabajada, con algunos cambios bastante acertados. Del resto del álbum, mencionaría "Over Bleknede Blåner Til Dommedag", un tema con un ambiente bastante épico, en el que colabora Aldrhan de Dødheimsgard aportando las voces limpias. Estas se encargan de incrementar ese toque épico, y aunque suenan un poco fuera de tono, le dan un rollo especial a la canción.

En fin, aunque en alguna ocasión se quiere vender este álbum como una pieza de culto dentro del Black Metal, creo que está bastante lejos de eso, ya que no posee la magia necesaria, que sí podemos encontrar por ejemplo en su siguiente álbum, "Stormblåst" que ya comentamos aquí en su día.

La formación que graba el álbum:

Erkekjetter Silenoz: Voces, Guitarra
Tjodalv: Guitarra, Batería (track 5)
Brynjard Tristan: Bajo
Stian Aarstad: Teclados
Shagrath: Batería, Guitarra (track 5)

Nota Final: 6/10

viernes, 9 de septiembre de 2016

Cradle of Filth - "V Empire Or Dark Faerytales In Phallustein" (1996)

Hoy toca comentar un clásico del Black Metal Melódico perteneciente a una de las bandas más controvertidas de la música extrema. Cradle of Filth, tuvieron el honor y la suerte de sacar al Black Metal del underground gracias a lanzamientos como este "V Empire Or Dark Faerytales In Phallustein", en adelante "VEmpire" para abreviar.

La banda se forma en 1991, y tras varias demos, consiguen su contrato discográfico con Cacophonous Records para grabar su primer álbum, "The Principle of Evil Made Flesh". Ciertas disputas entre la banda y la compañía, provocan que Cradle of Filth quiera marcharse, pero para cumplir con su parte del contrato se ven obligados a grabar un segundo lanzamiento en forma de E.P aunque con una duración más que respetable, por encima de los 36 minutos.

Sin duda, en esa época la banda se encontraba en un estado de gracia, ya que siendo este E.P un trámite para salir de la discográfica, posee una buena colección de temazos, incluyendo el "Queen of Winter Throned", para mi gusto el mejor tema compuesto jamás por la banda.

Siguiendo la tónica habitual de la banda a lo largo de su historia, hay cambios de formación reseñables desde el "The Principle...", ya que la pareja de guitarristas son reemplazados por Stuart Anstis, y también hay reemplazo en los teclados con la llegada de Damien Gregori. Mencionar que aunque en los créditos del álbum aparece un tal "Jared Demeter" como guitarrista de sesión, todas las guitarras del álbum están grabadas por Stuart Anstis.

Realmente el E.P está compuesto por cuatro canciones y dos intros bastante largas. La música de Cradle of Filth, pese a que en su momento se vendía como Symphonic Black Metal (incluso etiquetas de Gothic y Romantic, podías leer por las revistas), realmente no tiene mucho que ver con el Black Metal noruego, pero eso nunca ha sido óbice para que los fanáticos del "true" Black Metal hayan arremetido contra la banda tachándoles de vendidos, cuando realmente nunca pertenecieron a esa escena ni de lejos.

Es cierto que en su día, sí dieron un paso en sentido comercial con "From the Cradle to Enslave" que ya comentamos aquí en su día, y su posterior decadencia a nivel compositivo intentando explorar con más o menos éxito otro tipo de territorios musicales. Personalmente, a día de hoy Cradle of Filth es una banda que no me gusta como antes, pero sigo apreciando y respetando la calidad de lanzamientos como éste.

En este álbum podemos percibir una buena amalgama de estilos, en los que predominan las atmósferas góticas sinfónicas junto a las melodías de guitarras y teclados que impregnan todos los temas, y que se superponen con las voces. En el apartado guitarrístico se van alternando con algunas secciones en las que encontramos riffs más clásicos de Black junto con algunas partes con cierto regusto Death o Thrash que podemos escuchar en "Nocturnal Supremacy" o en "The Rape and Ruin of Angels", y es que no olvidemos que sus primeras demos son más Death que otra cosa.

A nivel vocal, también encontramos a un Dani Filth en pleno desarrollo y mejora respecto al anterior álbum, aunque su mejor momento llegaría con los siguientes dos álbumes. Lo único que no me convencen son las voces "profundas" que no terminan de sonarme demasiado potentes.

El E.P comienza con una intro bastante peculiar, ya que "Ebony Dressed for Sunset" es casi un tema cortito, ya que se va a casi tres minutos. Aunque tiene un aura de intro, posee un par de riffs y voces en él. "The Forest Whispers my Name" es una regrabación del tema que ya apareció en el anterior álbum, con un mejor sonido y con algunas partes ligeramente diferentes. Poco que cambiar, ya que el original, era en sí mismo un gran tema.

"Queen of Winter Throned" es mi canción favorita de la banda. Mi único comentario sobre ella es que la escuches si no la conoces.

"Nocturnal Supremacy" sigue en la línea del álbum, con blast-beats de batería, las afiladas voces de Dani y guitarras cañeras, pero al mismo tiempo unos fondos de teclado muy melódicos y épicos, acentuados por las voces femeninas. Además, podemos escuchar el único solo del álbum, que sin ser una maravilla, aporta algo de variedad al asunto.

"The Rape and Ruin of Angels" arranca con una fuerza brutal, gracias a uno de los riffs más cañeros escritos nunca por Cradle of Filth. Tras pasar por unas intrincadas partes más sinfónicas, el tema desemboca en un épico final que redondean este gran E.P.

Sin duda uno de los mejores lanzamientos de Cradle of Filth en su historia, y que forma una gran trilogía junto con los dos siguientes álbumes, "Dusk and Her Embrace" y "Cruelty and the Beast".

La formación que graba el álbum:

Dani Filth: Voces
Stuart Anstis: Guitarras
Robin Graves: Bajo
Damien Gregori: Teclados
Nicholas Barker: Batería

Nota Final: 9/10

martes, 6 de septiembre de 2016

Angra - Holy Live (1997)

Hoy se me ha venido a la mente este pequeño E.P en directo de Angra, que por otra parte es el único documento oficial en directo de la primera formación de los brasileños. Este lanzamiento es un pequeño extracto del concierto realizado en París durante la gira del álbum "Holy Land", que ya comentamos aquí en su día.

En este punto de su historia, Angra era una banda en pleno crecimiento gracias a su apuesta por un Power Metal de corte muy técnico con algunos pasajes progresivos, unas elaboradas melodías y esos toques tribales, que fueron el sello de identidad del "Holy Land".

Teniendo la característica de E.P, podríamos decir que la grabación va al grano, y se compone de cuatro de los mejores temas de la banda en sus dos primeros álbumes. El punto negativo, claro, es que estamos hablando de un E.P, y es una lástima que no se pudiese haber editado el concierto completo. Como curiosidad, aquí os dejo el setlist del mismo, y llamo la atención sobre el "Bis" del mismo, y que es indicativo de la época en la que está grabado.

La producción del álbum corre a cargo de Charlie Bauerfeind, que también había producido los primeros lanzamientos de la banda, y aquí he de decir que desconfío un tanto del sonido general del álbum, no tanto por los fallos que pudiese haber en la grabación, ya que en ningún momento dudo de la capacidad técnica de Angra en cuanto a ejecutar los temas con limpieza.

Lo que me deja con la mosca detrás de la oreja es el sonido tan limpio y tan bien ecualizado. He tenido la oportunidad de ver a Angra en directo algunas veces, y en ninguna de ellas han disfrutado de un sonido demasiado bueno. El apartado que más me llama la atención, es el de las orquestaciones. Si bien Angra llevan un teclista en directo, éstas me suenan exactamente igual a las del estudio, y con demasiada presencia en la mezcla. Los coros también me suenan un tanto artificiales para lo que he podido ver en directo en otras ocasiones. No sé, como no soy un gran entendido en la materia, lo dejo planteado como una duda.

Con ésto no quiero decir que el concierto no sea digno de escucharse, sino todo lo contrario. Es altamente interesante para cualquier fan de Angra, y la sensación de directo está bastante conseguida con la presencia constante del público, no sólo entre tema y tema, sino que también se percibe su participación en el transcurso de algunas canciones.

El álbum abre con la intro "Crossing" seguida del "Nothing To Say", que suena como un cañón. Casi sin tiempo para respirar se enlaza con "Z.I.T.O", en el que las guitarras suenan increíbles, y que termina con una pequeña charla en francés por parte de André Matos.

"Carolina IV" es probablemente el plato fuerte del álbum, empezando y terminando de manera algo diferente y acompañado convenientemente por algunas percusiones adicionales. La parte de solos es tan emocionante o más que en el disco de estudio, y años después sigue poniéndome la piel de gallina.

Para el final dejan la única incursión en su primer álbum con el imprescindible "Carry On", que también va acompañado por el "Unfinished Allegro". En fin, como decíamos al principio, una lástima que este lanzamiento no hubiese sido un directo al completo, ya que haría su escucha algo mucho más enriquecedor y su compra más atractiva.

La formación que graba el álbum:

Andre Matos: Voces
Kiko Loureiro: Guitarra
Rafael Bittencourt: Guitarra
Luís Mariutti: Bajo
Ricardo Confessori: Batería

Nota Final: 8,5/10

jueves, 18 de agosto de 2016

Enslaved - Monumension (2001)

"Monumension" es probablemente el álbum más extraño de la carrera de los noruegos Enslaved, aunque quizá extraño no sea el apelativo más correcto para designarlo. Más bien podríamos catalogarlo de desigual, ya que tenemos canciones muy variopintas en el álbum, y el nivel de experimentación es máximo. Tras la edición del brutal "Mardraum" un año antes, las expectativas que eran máximas para este lanzamiento, no fueron cumplidas del todo.

Estos vaivenes en la composición de los temas, vienen principalmente provocados por la influencia de Roy Kronheim, el cual quería dar a la banda un giro más Stoner, algo con lo que Ivar y Grutle no estaban de acuerdo, y que unido a algunos motivos personales, acabaron provocando la salida de Roy de la banda. Es posible también, que este ambiente no favoreciese a que "Monumension" sea un álbum aún mejor de lo que ya es.

En general es un disco bastante atmosférico y el primer tema, "Convoys to Nothingness" así lo demuestra. Una misteriosa intro nos dibuja lo que será el ritmo principal de la primera parte de la canción. Un dura sección central, acaba desembocando en una larga e hipnótica parte instrumental que se alarga durante casi tres minutos hasta el final del tema.

"The Voices" es uno de los mejores temas del álbum, con unas voces muy poderosas y esos cambios de ritmo de esos que Enslaved bordan. El tema tiene una estructura bastante impredecible, y una mezcla perfecta de agresividad y melodía.

"Vision: Sphere of the Elements - A Monument Part II" es uno de los temas más cañeros del álbum y que cierra un trío de canciones realmente brutal. Es un tema rápido y directo en el que domina un ritmo realmente Heavy, aunque como siempre alternado con varios cambios de ritmo, incluyendo en la parte final un punteo sobre un riff bastante poco habitual en la banda.

"Hollow Inside" es uno de esos temas que hacen bueno el comentario de que en este álbum, el nivel de experimentación es máximo. Es un tema con un gusto muy setentero, con guitarras en limpio y unas voces limpias sobreproducidas. Realmente creo que no hay otra canción como esta en toda la discografía de Enslaved.

"The Cromlech Gate" es un tema con un rollo más Doom - Stoner y aunque la esencia de Enslaved se percibe sin problema, es una vuelta de tuerca más a ese ambiente algo extraño de este álbum. "Enemy I" es un gran tema bastante progresivo, en el que de nuevo Grutle utiliza sus voces limpias, sobre lo que se podría catalogar como el estribillo del tema. Los rugidos a lo largo del tema están doblados, con una voz más rasgada y otra más profunda.

La gran mayoría de los temas del álbum no tiene una estructura de las que podemos considerar como clásica, algo con lo que suele jugar Enslaved, haciendo la escucha de sus discos toda una experiencia. "Smirr" comienza con un riff marca de la casa, pero pronto entra en una sección más ambiental que de nuevo se mueve en algunos parámetros algo psicodélicos.

"The Sleep" es un tema largo y relajado, en el que los teclados se hacen protagonistas y con una larga sección central que tiene algo de hipnótico. Perfectamente podía haber servido como final del álbum, pero Enslaved nos deja un par de píldoras extras, con la instrumental "Outro: Self-Zero" y con un último experimento llamado "Sigmundskvadet". Ésta es una canción acústica cantada en forma de coro tribal y que aporta un sentimiento muy peculiar.

Sin duda este es un disco que no te dejará indiferente. Dentro de la excelencia de la discografía de Enslaved, éste álbum no llega al sobresaliente, por lo desigual y extraño que es por momentos, aunque al mismo tiempo nos muestra una banda repleta de ideas y con ganas de explorar constantemente nuevos sonidos y elementos. Algo fundamental y que sin duda ayudó a sentar las bases de la evolución que ha mantenido la banda a lo largo del siglo XXI sacando un discazo tras otro.

La formación que graba el álbum:

Grutle Kjellson: Voces, Bajo
Ivar Bjørnson: Guitarra, Teclado
Roy Kronheim: Guitarra
Dirge Rep: Batería

Nota Final: 8/10

miércoles, 17 de agosto de 2016

Edguy - Hellfire Club (2004)

En plena borrachera de éxito tras la edición del "Mandrake" que ya comentamos aquí en su día, y sobre todo de las dos primeras partes de Avantasia, Edguy finaliza su contrato con AFM con la edición del directo "Burning Down the Opera" y dan un paso más en su carrera con la firma su nuevo flamante contrato con Nuclear Blast.

El nuevo álbum "Hellfire Club" viene precedido de la edición del E.P "King of Fools" a modo de presentación para el nuevo disco. La promoción y los medios para la grabación del álbum son mucho mejores en esta ocasión. La grabación se hace en diferentes estudios de Alemania, aunque la masterización vuelve a hacerse en los míticos Finnvox. Además, para este álbum Edguy cuenta con la participación de una orquesta real, y con una buena representación de vocalistas invitados, algunos de los cuales también han participado en diferentes entregas de Avantasia.

Con estos antecedentes la cosa podía haber sido algo realmente grande, pero se queda a medio camino y es un lanzamiento que no llega a enamorar. El álbum abre con "Mysteria", un tema correcto con un riff bastante afilado y un buen estribillo, que aunque tiene una parte central algo ramplona, deja buenas expectativas al oyente.

A continuación, Edguy quiere poner toda la carne en el asador y nos ofrece "The Piper Never Dies", un tema de nada menos que diez minutazos, pero el efecto no puede ser más negativo, y me explico. Tras un comienzo correcto, este tema supone un bajón en el ritmo del álbum que personalmente no encuentro coherente. "The Piper Never Dies" repite casi al 100% la fórmula utilizada en el "The Pharaoh" de su álbum anterior, pero el tema no es ni de lejos igual de bueno. Este adolece de ser lento y repetitivo, y no llega a enamorar en ningún momento.

Igual, ubicado en otra posición del álbum podía pasar de otra manera, pero no en segunda posición del álbum. Sin ir más lejos, esa posición podía haberla ocupado "We Don't Need a Hero", sin duda el auténtico cañonazo Power marca de la casa. Está claro que no puedes sacar un disco con 10 canciones así, pero realmente son temas que Edguy sabían hacer realmente bien. Riffs y doble bombo a toda velocidad con espléndidas melodías, y un buen solo.

"Down to the Devil" es de nuevo un tema correcto, con el clásico sonido de la banda y que aunque no destaca como el anterior, se deja escuchar y se identifica claramente con Edguy. Quizá abusan un tanto del estribillo y el tema podía haber quedado un poco mejor con medio minuto menos.

"King of Fools" es el único tema rescatado del E.P anteriormente mencionado y la verdad que se lo podían haber ahorrado. El tema comienza con una melodía de teclado que parece que va a ser la protagonista del tema, pero rápidamente cae un riff de aire moderno adornado por un teclado electrónico, que es de lo peorcito del álbum, y el estribillo no aporta nada nuevo. El caso es que el tema tiene su videoclip y creo que hasta fecha de hoy sigue siendo el tema con el que cierran los conciertos. Algo totalmente inexplicable desde mi entender.

A partir de aquí, la cosa no remonta el vuelo, y es que aunque a lo largo de todo el álbum se aprecia un gran trabajo en la producción y en el nivel de arreglos de las canciones, una pena que no estén acompañados por composiciones del mismo nivel.

Los temas van cayendo uno por uno, pero realmente no hay nada destacable en ellos. Por mencionar alguno, "Forever" es la clásica balada que no dice nada, aunque Edguy tampoco han destacado nunca en este apartado.

"Lavatory Love Machine" fue el otro tema sobre el que se grabó un videoclip y es un tema con una mezcla de Heavy tradicional que sería el camino por el que transitarían los siguientes lanzamientos de la banda. Como no hay vídeo oficial de ningún tema que me guste, pondremos éste, pero sin duda no sería el tema que yo recomendaría escuchar de éste álbum.

En fin, un disco que debería haber sido mucho mejor, pero que sería el peor lanzado por la banda hasta ese momento, y que salvo un par de honrosas excepciones, pasa con más pena que gloria.

La formación que graba el álbum:

Tobias Sammet: Voces, Teclado
Jens Ludwig: Guitarra
Dirk Sauer: Guitarra
Tobias "Eggi" Exxel: Bajo
Felix Bohnke: Batería

Nota Final: 6/10

jueves, 11 de agosto de 2016

Los Suaves - Malas Noticias (1993)

Tras el éxito cosechado con "Maldita Sea Mi Suerte" que ya comentamos aquí en su día, Los Suaves consiguen su primer contrato con la multinacional Polygram Ibérica para la edición de su quinto álbum, este "Malas Noticias" que revisamos hoy. Lo primero que se puede apreciar en este álbum, y sin duda gracias a este cambio, es la mejora en la producción del álbum si lo comparamos con los anteriores álbumes, con un Alberto Cereijo más asentado en la banda. El sonido es ahora mucho más limpio que antes, y aunque no llega a ser una producción de primer nivel, los instrumentos se pueden distinguir perfectamente durante la escucha.

El caso es que esta mejora en la producción no viene acompañada con una mejora en el nivel de las canciones, sino más bien al revés. Pese a haber un par de años entre la edición de ambos discos, el nivel compositivo de esta entrega está un par de escalones por debajo. Es probable que algunos fans de Los Suaves no estén de acuerdo con esta apreciación, pero a mí este álbum se me hace bastante plano en cuanto a composiciones, y el uso de las clásicas progresiones de acordes de la banda.

El inicio del álbum con la homónima "Malas Noticias" es francamente potente. El buen uso de las guitarras acústicas frente a la machacona sección rítmica, y la  posterior evolución de la canción la convierte en una de las mejores del álbum. Ya desde este tema Alberto Cereijo nos deleita con unas guitarras solistas espectaculares, tanto a nivel de solos como de arreglos y pequeños detalles. La canción está partida en dos partes, y desde el minuto 3:30 hasta el final entra una larga sección instrumental realmente emocionante.

Pese al fichaje por la multinacional, las letras de Yosi, lejos de suavizarse (en el sentido literal de la palabra), siguen manteniendo esa tónica cruda y depresiva que sin duda es uno de los valores que más aprecian los fans de la banda.

"Corazón de Rock and Roll" es la clásica oda al Rock que la banda gusta de meter en prácticamente todos sus álbumes. Con una estructura clásica de Rock and Roll, pero con un sonido bastante metálico, y en la que lo que más me gusta, vuelve a ser el bajo de Charly. "Por Una Vez En La Vida" cierra un comienzo bastante poderoso. Es un tema muy dinámico y melódico al mismo tiempo que la convierte en una de mis favoritas. Mención especial para los solos en este tema.

A partir de ahí, el álbum entra en una fase que no me termina de convencer. "Como Cada Noche" es un tema con un sonido duro y pesado, pero se me hace bastante repetitivo, y la manera de encajar la frases de Yosi termina por cansarme también. El estribillo, pese a descargar un poco esa sensación, no termina de cuajar, además de ser demasiado estándar.

"Si Te Atreves a Nacer" es un tema cañero, que comienza con fuerza, y aunque está mucho mejor que el anterior rápidamente vuelve a sonar un poco a lo mismo. Está claro que Los Suaves tienen su fórmula magistral que saben aplicar en los temas, pero a veces se le puede pedir un poco más a una banda como ellos. "Ella Arruinó Mi Vida" es otro tema que no está al nivel, y vuelve a pecar de una composición poco inspirada, que lo convierte en un tema de relleno.

"El Último Metro" es una triste balada acústica, que a mí personalmente me llega bastante. Un buen trabajo con las guitarras acústicas, y unos sutiles colchones de teclado realzan una de esas letras en las que Yosi habla de una vida triste, sin esperanza ni ilusiones, y que de alguna manera te toca la fibra.

Con buen criterio, Los Suaves dejan para el final el "Dile Siempre Que No Estoy", que se convirtió en el himno de este álbum. Una canción puro Suaves, de nuevo con la típica estructura y las mismas progresiones, pero en esta ocasión explotadas con total acierto, y aderezadas con armónicas y un gran trabajo en las guitarras. Es un tema muy largo, con una letra genial y en la que no me canso de escuchar el "tú di siempre que no estoy".

Este álbum no es ni de lejos el mejor de Los Suaves, pero fue un hito en cuanto al crecimiento de popularidad de la banda, gracias a una promoción mayor y a unos medios mejores, que darían como resultado la grabación de dos de los mejores álbumes de la banda, "Santa Compaña" y "San Francisco Express".

La formación que graba el álbum:

Yosi: Voz, Guitarra, Armónica
Alberto: Guitarra
Montxo: Guitarra
Charly: Bajo
Gelo: Batería

Nota Final: 7/10

martes, 9 de agosto de 2016

Carach Angren - Death Came Through a Phantom Ship (2010)

Seguimos trabajando el rollo sinfónico, esta vez con los holandeses Carach Angren, una de las bandas que más han llamado mi atención los últimos tiempos. Mi conocimiento de la banda llega gracias a este álbum llamado "Death Came Through a Phantom Ship", cuyo concepto lírico gira alrededor de la leyenda del Holandés Errante. La banda fue formada allá por 2003, y este es su segundo larga duración.

Este álbum es una buena muestra de lo que puede dar de sí el Black Metal de corte sinfónico. Este es un género que parecía haber quedado como coto personal de Dimmu Borgir, pero nada más lejos de la realidad, y es que este disco es muchísimo mejor que cualquiera de los últimos álbumes grabados por los noruegos. Además, parece que tras las salidas de Mustis y Vortex la banda anda algo perdida, y desde 2010 no hemos vuelto a saber de ellos.

Como es ley en este estilo de música, la preponderancia de los teclados y orquestaciones es notoria a través de todos los temas, y parece ser el propio teclista Ardek el que lleva el peso de las composiciones.

El caso es que la formación se mantiene estable como trío desde sus comienzos, así que imagino que los tres miembros aportarán bastantes ideas a su música. El apartado guitarrístico corresponde a Seregor, que es a la vez vocalista de la banda. En la música de Carach Angren las guitarras tienen un papel de protagonismo compartido con las orquestaciones, y en general suelen llevar el típico riffage del Black Metal, aunque en algunas ocasiones también se erigen en las dueñas de las melodías principales.

Otro de los puntos fuertes del concepto de Carach Angren son unas letras trabajadas, que se ven potenciadas con partes casi narradas que permiten a la banda introducir historias bastante completas en las canciones. De hecho, las composiciones tienen en todo momento un aire bastante teatral que luego trasladan al directo. En este aspecto, tuve la fortuna de verles recientemente, e hicieron un gran show. Seregor delega el trabajo de las guitarras en un músico invitado, y se vuelca al 100% en la interpretación de las canciones. Sin duda, un acierto que potencia las presentaciones en directo. Escuchando este tipo de música, se podría pensar que en vivo pierde, pero en el caso de Carach Angren esto no es así, y consiguen generar una atmósfera increíble.

La producción del álbum está a un nivel muy alto, como no podía ser de otra manera en un álbum del estilo. La misma corre a cargo de Patrick Damiani, que hasta la fecha se encarga también de grabar el bajo en los trabajos de Carach Angren. Incluso en los primeros tiempos giraba en directo con ellos tocando el bajo, convirtiéndose casi en un miembro más de la banda.

Este álbum gana puntos cuando es escuchado como un todo, más que si se escucha como temas sueltos, ya que la atmósfera que se crea desde la intro convierte la escucha en un viaje que consigue transportar al oyente a través de diferentes ambientes, alternando secciones suaves, con partes realmente enervantes y repletas de tensión que van descargando sobre pequeñas secciones melódicas.

Dentro del buen nivel global del álbum, y puestos a destacar algunos cortes, me quedaría con "And the Consequence Macabre" un auténtico temazo con una gran letra, "Bloodstains On the Captain's Log" que quizá sea la más pegadiza del álbum y con la que suelen cerrar los directos, y "The Course of a Spectral Ship", un tema con unos cambios increíbles.

Siguiendo la costumbre, he enlazado el vídeo oficial que corresponde al primer tema, así que queda en tu responsabilidad el escuchar alguno de los temas destacados.Sin duda una banda con una apuesta muy original que desde aquí animo a escuchar con detenimiento y desde luego recomiendo ver en directo.

La formación que graba el álbum:

Seregor: Voces, Guitarra
Ardek: Teclados y Orquestaciones
Namtar: Batería

Nota Final: 9/10